Стиль нео-мудехар
В конце XIX века в Мадриде возникло новое архитектурное движение в каччестве возрождения архитектуры мудехар. Нео-мудехар вскоре распространился и на другие регионы страны. Такие архитекторы, как Эмилио Родригес Айюсо воспринимали искусство мудехар как специфический и эксклюзивный испанский стиль. Они начали строить здания, используя некоторые из особенностей древнего стиля, например, подковообразные арки и украшения для фасадов из кирпича абстрактной формы. Он стал популярным стилем для строительства арен и других общественных сооружений, но также и для жилья из-за использования дешевых материалов, в основном кирпича для создания экстерьеров. Нео-мудехар часто использовался в сочетании с нео-готическими элементами.
Архитектура стекла и железа
Во время промышленной революции железо и стекло использовались в качестве основных материалов исключительно при строительстве вокзалов, хранилищ, производственных зданий и выставочных павильонов. Архитекторами, больше всего повлиявшими на развитие этого стиля, были Рикардо Веласкес Боско и Альберто дель Паласио, хотя стекло для фасадов и железо для конструкций в некоторой степени использовали и другие архитекторы, например, Антонио Паласиос, Энрике Мария Репуллес-и-Варгас или Нарцисо Паскуаль-и-Коломер.
Храмовая архитектура Мадрида.
Как столица Испании, Мадрид имеет больше политическую значимость для страны, но и с религиозной точки зрения город очень богат.
Собор Альмудена – величественное храмовое сооружение, расположенное напротив Оружейной площади Мадрида. Первый камень собора был заложен в 1884 году, и лишь 1993 году собор Альмуден был освящен Папой. Здание собора отличается своим вычурным неоготическим стилем, и имеет очень светлый облик. Форма здания выполнена в виде латинского креста.
Известный на весь мир своим величественным фасадом, Королевский собор Святого Франциска Великого, отличается своими размерами и красотой. Так, высота купола составляет 58 метров, а его диаметр равен 33 метрам. Выполнено здание Королевского собора в неоклассическом стиле.
Монастырь Энкарнасьон, считается самым богатым и процветающим монастырем Испании, а его здание относится к пяти самым узнаваемым архитектурным сооружения испанской столицы. Фасад монастыря выполнен из кирпича и каменных плит, и выполнен в редком стиле эрререско. Также, в экстерьере Энкарансьона есть нотки неоклассицизма, который внес во внешний облик Вентура Родригес, занимавшийся восстановлением церкви после большого пожара.
Международное Барокко
Барокко распространилось по всей Европе и достигло протестантских районов, особенно северной Германии, центра религиозного восстания Мартина Лютера. Здесь, однако, он был менее драматичным, резко контрастируя с роскошным богемным барокко Иоганна Бальтазара Неймана (1687-1753) и Иоганна Бернхарда Фишера фон Эрлаха (1656-1723) на юге. Поскольку протестантская религия уделяла меньше внимания специально построенным церквям, именно в дворцовой архитектуре барокко достигло своего зенита во многих частях Европы, как проявление власти. В протестантской Англии, изолированной как географией, так и религией от континентальной Европы, барокко развивалось позднее в своеобразной и недолговечной форме. Великие дома замка Говард, северный Йоркшир, и Бленхеймский дворец, Оксфордшир, спроектированные сэром Джоном Ванбру (1664-1726) в сотрудничестве с Николасом Хоксмуром (1661-1736), вдохновленным учеником сэра Кристофера Рена (1632-1723), нацелены на масштаб дворца Людовика XIV в Версале, недалеко от Парижа. В стиле, однако, они опирались на модели, менее репрезентативные для абсолютистского правления: виллы итальянского архитектора XVI века Андреа Палладио в своих планах и родные средневековые и Елизаветинские традиции в их обращении с формой и массой. Апофеозом барокко в Англии были, пожалуй, лондонские церкви Хоксмура — шесть задумчивых зданий из белого камня. Наследием барокко была, как позже описывали его историки архитектуры, идея здания как целостного произведения искусства – которое дизайнеры рококо, последней, подрывной стадии барокко, часто доводили до декоративных крайностей.
Колониальная архитектура
Испанский колониальный стиль в архитектуре сформировался преимущественно на территориях испанских колоний в Латинской Америке. Он преобладал с конца XVII по середину XVIII века, в начале XIX века его сменил платереско. Отличительные черты колониальной направленности — смешение барочной вычурности с надежностью и приземистостью построек.
Характерная черта колониального стиля — использование материала стукко, который применялся для барочной лепнины, штукатурки домов. Стукко — прочный художественный материал, искусственный мрамор, состоящий из гипса, клея и мраморной крошки. Иногда в смесь добавлялся алебастр, каменная пудра и мел.
С течением времени колониальный стиль получил подвид — утрированный барокко под названием «чурригереско».
Церковь Святого Франциска в перуанской Лиме дополняют провинциальные постройки, которые можно увидеть также в Ла-Пасе и Потоси. Лучшим архитектором этого стиля считается Лоренсо Родригес, выстроивший уникальный собор Метрополитано (Мехико).
Испанское искусство XVIII век
«Натюрморт с апельсинами, флягами и коробками конфет», Луис Эджидио Мелендес
Начало правления династии Бурбонов в Испании при Филиппе V привело к большим изменениям в сфере меценатства, новый двор, ориентированный на Францию, предпочитал стили и художников Франции Бурбонов. Несколько испанских художников были наняты двором – редким исключением был Мигель Хасинто Мелендес (1679-1734 гг) – и потребовалось некоторое время, прежде чем испанские художники освоили новые стили рококо и неоклассицизм. Ведущие европейские художники, в том числе Джованни Баттиста Тьеполо и Антон Рафаэль Менгс, были активными и влиятельными.
Без королевского спонсорства многие испанские художники продолжали работать в стиле барокко при создании религиозных композиций. Это относится к Франциско Байе-и-Субиасу (1734-1795 гг), опытному мастеру фресковой живописи, и Мариано Сальвадору Маелле (1739-1819 гг), оба они развивались в направлении строгого неоклассицизма Менгса. Еще одним важным направлением для испанских художников была портретная живопись, которой активно занимались Антонио Гонсалес Веласкес (1723-1794 гг), Хоакин Инза (1736-1811 гг) и Агустин Эстеве (1753-1820 гг). Но для жанра натюрморта можно еще было получить королевскую поддержку, это касалось таких художников, как придворный художник Бартоломе Монтальво (1769-1846 гг) и Луис Эгидио Мелендес (1716-1780 гг).
Продолжая работать в испанской традиции натюрмортов Санчеса Котана и Сурбарана, Мелендес создал серию картин для шкафов по заказу принца Астурийского, будущего короля Карла IV, предназначенных для демонстрации полного спектра пищевых продуктов из Испании. Вместо того чтобы просто создавать формальные обучающие материалы по естественной истории, он использует резкое освещение, низкие точки зрения и тяжелые композиции для того, чтобы драматизировать предметы
Он проявил большой интерес и внимание к деталям отражений, текстур и ярких участков изображения (таких как яркие участки на узорной вазе в «Натюрморте с апельсинами, флягами и коробками конфет»), отражающим новый дух эпохи Просвещения
Мусульманская и мосарабская Испания
Украшенная арабесками панель из Мадины аз-захра, robven – http://www.flickr.com/photos/robven/3048203629/
Великолепный дворец-город Мадина аз-захра близ Кордовы был построен в X веке для династии Омейядов халифов Кордовы, он должен был стать столицей исламской Андазузии, раскопки ведутся до сих пор. Сохранился значительный объем очень сложной отделки основных зданий, демонстрирующий огромное богатство этого очень централизованного государства. Дворец в Альхаферии относится к более позднему периоду, после того, как Исламская Испания была разделена на несколько царств. Известными примерами исламской архитектуры и ее украшений являются храмы-мечети Кордовы, исламские элементы которых были добавлены на этапе между 784 и 987 годами, и дворцы Альгамбра и Хенералифе в Гранаде, относящиеся к финальному периоду мусульманской Испании.
Пизанский Грифон является крупнейшей известной исламской скульптурой животного и самой зрелищной скульптурой из группы Аль-Андалуз, многие из этих скульптур были созданы, чтобы поддержать бассейны фонтанов (например, в Альгамбре), или в редких случаях для курения благовоний и других подобных целей.
Христианское население мусульманской Испании разработало стиль мосарабского искусства, самыми известными сохранившимися примерами которого являются несколько иллюстрированных рукописей, несколько комментариев к книге Откровений астурийского Святого Беата (Беатус) Лиебанского (ок. 730 – ок. 800 гг), которые создали тему, позволившую ярко окрашенному примитивистскому стилю в полном объеме продемонстрировать свои качества в рукописях X века. Например, это манускрипты Беатус Моргана, вероятно первый, Беатус Жероны, украшенный женщиной-художником Энд (Ende), Эскориальский Беатус и Беатус Сен-Север, который на самом деле был создан на некотором расстоянии от мусульманского правления во Франции. Мосарабские элементы, в том числе фон из ярких цветных полосок, можно увидеть на некоторых более поздних романских фресках.
Испано-мавританская керамическая посуда появилась на юге, по-видимому, в основном для местных рынков, но мусульманские гончары позже начали мигрировать в регион Валенсия, где христианские владыки продавали свою роскошную люстровую керамику элите по всей христианской Европе в XIV и XV веках, в том числе Папам Римским и английскому королевскому двору. Испанская исламская резьба по слоновой кости и текстиль были также очень высококачественными; современные предприятия, производящие плитки и ковры на полуострове, обязаны своим происхождением в основном исламским королевствам.
После изгнания исламских правителей во время Реконкисты значительная часть мусульманского населения и христианские мастеров, прошедших подготовку в мусульманском стиле, остались в Испании. Мудехар (Mudéjar) – это термин, обозначающий произведения искусства и архитектуры, созданные этими людьми. Объекты архитектуры в стиле мудехар в Арагоне признаны объектами Всемирного наследия ЮНЕСКО. Двор Девичье патио XIV века, построенный для Педро Кастильского в Севильском Алькасаре, является еще одним ярким примером. Данный стиль может также гармонично сочетаться с христианскими европейским средневековым стилем и стилем Возрождения, например, в сложных потолках из дерева и лепных потолках, а работы в стиле мудехар часто продолжали создавать в течение нескольких столетий после того, как какая-либо территория передавалась под управление христиан.
Шкатулка из слоновой кости аль-Магира, Мадина аз-захра, 968 г, Общественное достояние
Пизанский грифон, фото: Memorato, лицензия Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported
Страница из Беатуса Моргана
Испано-мавританский кувшин с гербом Медичи, 1450-1460 гг
Сердце каталонской столицы
Сюда стали переезжать буржуа, тщательно пытающиеся перещеголять аристократию. Быстро нажившие богатство люди хотели, чтобы их дома были уникальными, и для самовыражения новой прослойки общества уже не подходили все известные стили архитектуры Барселоны. Горожане взбунтовались против скучных построек, похожих друг на друга. Молодые авторы мечтали “одеть” новый квартал в яркие одежды, и это у них получилось. После завершения строительства район расцветал за счет того, что представители буржуазии украшали его роскошными особняками.
Сейчас элитный Эшампле, который является сердцем столицы, представляет собой потрясающую смесь красоты и рационализма. Здесь никто не найдет двух одинаковых зданий, и в этом состоит главная особенность стиля модерн (арт-нуво). В подобного рода строениях можно увидеть и мозаику, и скульптурные работы, и витражи.
XIX век
Фредерико Прадилья, «Донья Хуана Ла Лока (Хуана Безумная)»
Различные художественные направления XIX века повлияли на испанских художников, во многом благодаря им художники проходили обучение в иностранных столицах, в частности в Париже и Риме. Таким образом, неоклассицизм, романтизм, реализм и импрессионизм стали важными направлениями. Однако, они часто задерживались или трансформировались под влиянием местных условий, включая репрессивные правительства и трагедии Карлистских войн. Портреты и исторические сюжеты были популярными, и искусство прошлого – в частности стили и приемы Веласкеса – имело большое значение.
В начале века доминирует академизм Висенте Лопеса (1772-1850 гг), а затем неоклассицизм французского художника Жака-Луи Давида, например, в работах Хосе де Мадрасо (1781-1859 гг), основателя влиятельной линии художников и директоров галерей. Его сын, Федерико де Мадрасо (1781-1859 гг), был ведущим представителем испанского романтизма, вместе с Леонардо Алензой (1807-1845 гг), Валериано Домингесом Бекером и Антонио Марией Эскивелем.
Позже наступил период романтизма, представленный в истории живописи в работах Антонио Гисберта (1834-1901 гг), Эдуардо Росалеса (1836-1873 гг) и Франсиско Прадильи (1848-1921 гг). В их работах приемы реализма часто использовались в применении к романтическим темам. Это можно ясно увидеть в картине «Донья Хуана Ла Лока» – знаменитой ранней работе Прадильи. Композиция, мимика и драматическое бурное небо отражают эмоции сцены; а также точно прописанная одежда, текстура грязи и другие детали демонстрируют великий реализм в отношении и стиле художника. Мариано Фортуни (1838-1874 гг) также разраотал сильный реалистический стиль, после того, как оказался под влиянием французской романтической Эжена Делакруа и стал известным художником своего века в Испании.
Хоакин Соролья, «Мальчики на пляже», 1910, Музей Прадо
Хоакин Соролья (1863-1923 гг) из Валенсии преуспел в искусном представлении народа и ландшафта под воздействием солнечных лучей его родной земли, тем самым отразив дух импрессионизма во многих своих произведениях, в частности в знаменитых приморских картинах. В его картине «Мальчики на пляже» он делает отражения, тени, блеск воды и кожу своим главным сюжетом. Композиция очень смелая, горизонта нет, один из мальчиков обрезан, и сильные диагонали создают контрасты, насыщенность левой верхней части работы повышена.
Гойя
Франсиско Гойя, «Третье мая 1808 года»
Франсиско Гойя был портретистом и придворным художником испанского двора, летописцем истории, и, по его неофициальной занятости, революционером и провидцем. Гойя написал портреты испанской королевской семьи, в том числе Карла IV Испаниского и Фердинанда VII. Его темы варьируются от веселых праздников для гобелена, эскизов сатирического содержания до сцен войны, боевых действий и трупов. На ранней стадии своего творчества, он нарисовал эскизы сатирического содержания в качестве шаблонов для гобеленов и фокусировался на сценах из повседневной жизни с яркими цветами. В течение своей жизни Гойя также сделал несколько серий “Grabados” – офортов, на которых запечатлен упадок общества и ужасы войны. Самая известная серия его картин – это Мрачные (Черные) Картины, написанные в конце его жизни. Эта серия включает в себя произведения, мрачные как по цвету, так и по смыслу, вызывающие беспокойство и шок.
Гауди и его дома «Из костей» и «Каменоломня»
Благодаря неподражаемому стилю, Гауди становится самым модным архитектором в Барселоне. Он превращается в «непозволительную роскошь», создаёт дома один необычнее другого. Испанские буржуа тратят свои состояния на реализацию гениальных идей художника.
Дом Бальо или дом из Костей. Барселонцы ещё называют его «Зевающий» и «дом-Дракон», такой многообразный у него фасад.
Стиль Гауди — это благоговейно почтительные отношения с Творцом, которые установились в детстве. Ревматизм ограничивал мальчика в играх со сверстниками, но не мешал длительным одиночным прогулкам верхом на ослике.
Наблюдая окружающий мир, архитектор черпал вдохновение для решения конструктивных или декоративных задач архитектуры для заказчиков. В своём творчестве он использовал элементы самых различных стилей, трансформируя их в особое направление, именуемое испанский модерн (modernismo).
За что городские власти критиковали дом «Из костей»?
Живым трепещущим существом стал плод причудливой фантазии архитектора — жилой дом текстильного магната Жозепа Бальо (Casa Batlló). Гауди реконструировал уже существующее здание в 1904—1906 годах, ожидающее сноса. Он использовал типичные конструктивные элементы каталонской архитектуры: керамику, камень и кованое железо.
Из-за радикального дизайна во время строительства Гауди нарушил все подзаконные акты города. И не потому что он «озорник», а потому что авторский стиль выходил за ограничивающие рамки традиционной архитектуры и градостроительства. Пришлось власть имущим менять законы.
Какое здание стало последней светской работой Гауди?
Дом Каменоломня в Барселоне в стиле Гауди
В 1906 году в жизни архитектора случается очередная большая потеря: умер отец, кузнечных и котельных дел мастер, Франсеск Гауди-и-Съерра. По словам Антонио, именно в отцовской мастерской он ощутил пространство как живую материю. Отец научил его понимать красоту предметного мира и привил любовь к архитектуре и рисованию.
Это далеко не первая утрата в жизни мастера. Родившись пятым ребёнком в семье, в этом году он остался совсем один с племянницей на попечении, которую похоронил через 6 лет.
Именно в этот период новые идеи Антонио воплощаются в доме для семьи Мила (casa Mila, 1906 — 1910). Его новаторство заключалось в следующем.
- Он продумывает систему естественной вентиляции, что позволяет отказаться от кондиционеров.
- Строит здание без несущих и опорных стен (железо-бетонную конструкцию с несущими колоннами). Это даёт возможность перемещать межкомнатные перегородки в каждой квартире по своему усмотрению. Сегодня эта технология популярна у строителей монолитно-каркасных домов.
- Устраивает подземный гараж.
- Каждое помещение в доме получает окно, что тоже необычно для начала ХХ века. Для этого предусмотрены три внутренних дворика.
Волнообразный фасад представляет собой гармоничную массу всевозможного камня, который, наряду с коваными железными балконами, у барселонцев получил прозвище «каменоломня» или Ла Педрера.
Это здание стало первым сооружением ХХ века, включённым в наследие ЮНЕСКО (1984 год). А во время строительства заказчик и строители заплатили не один штраф за нарушение общепринятых нормативов.
Дом Мила стал последней светской работой перед тем, как архитектор посвятил себя полностью творчеству над Искупительным Храмом Святого Семейства (Саграда-Фамилия). Новые заказы он больше не брал, но работал над окончанием текущих объектов.
Поствизантийская архитектура в православных странах
В Болгарии, России, Румынии, Сербии, Белоруссии, Грузии, Армении, Украине, Македонии и других православных странах архитектура Византии сохранилась и после падения империи. С 16 по 18 века она породила местные поствизантийские архитектурные школы.
В средневековой Болгарии это были Преславская и Тырновская архитектурные школы.В средневековой Сербии: Рашкинская архитектурная школа, Вардарская архитектурная школа и Моравская архитектурная школа.
Архитектура Византии так же достигла замечательных результатов в возведении мостов, дорог, акведуков, резервуаров и крытых многоярусных подземных цистернах для воды и иных целей.
В чём заключена оригинальность стиля Гауди?
В 1878 году директор Барселонской Архитектурной Школы Elies Rogent на церемонии выпуска сказал об Антонио: «Мы дали этот академический титул либо болвану, либо гению. Время покажет». Поначалу Гауди без успеха участвовал в конкурсах, изучал ремёсла, проектировал ограды, фонари, мебель.
«Нет ничего придуманного, все изначально существует в природе. Оригинальность — это возвращение к истокам,» — говорил о своих работах мастер. Визитной карточкой стиля Гауди стала выражение природных форм в архитектуре.
Стиль Гауди — это
- мир неровных поверхностей, какие мы наблюдаем в природе;
- конструкторские решения, предложенные природой;
- декоративность, существующая в природе;
- продолжение пространства, созданного природой.
Через пять лет после окончания Архитектурной школы в Барселоне он получил свой первый важный заказ от владельца керамической фабрики Мануэля Висенса.
Известные испанские архитекторы XX века
- Антонио Гауди (1852-1926)
- Луис Доменек-и-Монтанер (1850-1923)
- Секундино Суасо (1887-1971)
- Антонио Паласиос (1874-1945)
- Каста Фернандес-Шоу (1896-1978)
- Жозеп Льюис Серт (1902-1983)
- Жозеп Антони Кодерк (1913-1984)
- Луис Гутьеррес Сото (1890-1977)
- Алехандро де ла Сота (1913-1996)
- Мигель Фисак (1913-2006)
- Франсиско Хавьер Саенс де Оиза (1918-2000)
- Хулио Кано Лассо (1920-1996)
- Фернано Хигуерас (1929-2008)
- Рафаэль Монео (1937), Притцкеровская премия 1996 г
- Рикардо Бофилль (1939)
- Альберто Кампо Баэса (1946)
- Сантьяго Калатрава (1951)
- Адольфо Моран (1953)
- Энрик Миральес (1955-2000)
- Студия Mansilla+Tuñón
- Алехандро Саэра (1963)
Древняя Иберия
Ранние иберы оставили после себя многое; северо-западная Испания делит с юго-западной Францией области, где самые богатые находки предметов искусства верхнего палеолита в Европе находят в пещере Альтамира и на других участках, где найдены наскальные рисунки, созданные между 35 000 и 11 000 гг до н. э. Наскальное искусство Иберийского Средиземноморского бассейна (как определяет данный термин ЮНЕСКО) является искусством восточной части Испании, вероятно, примерно 8000-3500 годов до н. э., оно демонстрирует животных и сцены охоты, часто созданные с растущим чувством всей композиции масштабной сцены. Португалия, в частности, богата на мегалитические памятники, в том числе Almendres Cromlech (Кромлех Алмендриш), а иберийское схематическое искусство – это каменная скульптура, петроглифы и наскальные рисунки из ранних железных веков, которые обнаруживают на всем Пиренейском полуострове, с геометрическими узорами, а также с более частым использованием простых пиктограммоподобных человеческих фигур, что характерно для аналогичных видов искусства из других регионов. Casco de Leiro – золотой ритуальный шлем позднего бронзового века может быть связан с другими золотыми головными уборами, найденными в Германии, а Сокровище Вильены – это огромный клад геометрически оформленных сосудов и украшений, возможно, X века до нашей эры, включающий в себя 10 килограммов золота.
Иберийский скульптура до римского завоевания отражает контакты с другими передовыми древними культурами, которые создавали небольшие прибрежные колонии, в том числе с греками и финикийцами; финикийское поселение Са Калета на Ибице сохранилось для раскопок, большая его часть сейчас расположена под крупными городами, а Дама Гвардамар была найдена при раскопках на другом финикийском участке. Дама из Эльче (вероятно, IV век до н. э.), возможно, представляет Танит, но также демонстрирует эллинистическое влияние, как и Сфинкс из Агоста и Бича из Баласоте VI века. Быки Гисандо являются наиболее впечатляющим примером веррако – крупных кельто-иберийских скульптур животных из камня; Бык из Осуна V века до н. э. является самым развитым отдельным примером. Сохранились несколько украшенных фальката – характерных искривленных иберийских мечей, а также множество бронзовых статуэток, использовавшихся в качестве вотивных изображений. Римляне постепенно завоевали всю Иберию между 218 г до н. э. и 19 г н. э.
Как и везде в Западной империи, римская оккупация в значительной степени уничтожила местные стили; Иберия была важным сельскохозяйственным районом для римлян, и элита приобрела обширные поместья, производящие пшеницу, оливки и вино, некоторые более поздние императоры происходили из Иберийских провинций; при раскопках были обнаружены многие огромные виллы. Акведук в Сеговии, римские стены города Луго, мост Алькантара (104-106 гг н. э.) и маяк Башня Геркулеса являются хорошо сохранившимися крупными памятниками, впечатляющими примерами римской инженерной мысли, если не всегда искусства. Римские храмы достаточно хорошо сохранились в Вике, Эворе (ныне в Португалии) и Алькантаре, сохранились также их элементы в Барселоне и Кордове. Должны были существовать местные мастерские, производившие высококачественные мозаики, хотя большая часть лучшей отдельно стоящей скульптуры, вероятно, была импортирована. Миссорий Феодосия I – это известное серебряное блюдо поздней античности, которое было найдено в Испании, но, вероятно, создано в Константинополе.
Бизон из пещеры Альтамира (между прибл. 16 500 и 14 000 лет назад)
Сокровище Виллены, вероятно, X в до н. э.
Дама из Эльче, вероятно, IV век до н. э.
Быки Гисандо, фото: Rafaelji, лицензия Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported
Возрождение Гауди
С 1950 по 1960 год такие критики, как Джордж Р. Коллинз и Роберто Пейн, начали по новому говорить о творчестве архитектора. В Каталонии, его работы были повторно открыты Александром Циричи, Хуаном Эдуардо Цирлотом и Ориолом Богигасом.
С этого времени Гауди получил международное признание, особенно в Японии, где были опубликованы многочисленные исследования его работ. Сантьяго Калатрава и Норман Фостер оказались под влиянием его стиля.
Религиозный и аскетический образ жизни Антонио в конечном итоге в 1998 году вдохновит архиепископа Барселоны Рикара Марии Карлеса предложить кандидатуру Гауди для канонизации. После прохождения всех процедур у архитекторов мира появится свой покровитель — святой.
К 150-летию со дня его рождения (2002 г) провели много официальных церемоний, концертов, шоу и конференций, опубликовали несколько книг. В сентябре того же года в Палау делс Эспортс де Барселона состоялась премьера мюзикла под простым названием «Гауди».
В 2008 году Каталонская киноакадемия организовала вручение наград Гауди лучшим каталонским фильмами текущего года.
Его работы в настоящее время пользуются огромной популярностью во всем мире как среди публики, так и среди архитекторов. Его, еще не завершенный, шедевр Саграда Фамилия в настоящее время является самым посещаемым памятником в Испании.
Романский стиль в живописи Испании
Апсида церкви Санта-Мария в Таулле, каталонская фреска в Лериде, начало XII века, фото: фото: Ecemaml, лицензия Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported
В Испании искусство романского периода представляло собой плавный переход от предыдущих прероманских и мосарабских стилей. Многие из лучше всего сохранившихся романских церковных фресок, которые в то время обнаруживались по всей Европе, происходят из Каталонии. Известные примеры расположены в храмах регионе Валь-де-Бой; многие из них были обнаружены только в XX веке. Некоторые из лучших примеров были перемещены в музеи, особенно в Национальный музей искусства Каталонии в Барселоне, где расположена знаменитая центральная апсида Сант Климент в Таулле и фрески из Сихены. Самыми прекрасными примерами кастильских романских фресок считаются фрески в Сан-Исидоро в Леоне, картины из Сан-Бауделио-де-Берланга, сейчас в основном расположенные в различных музеях, включая Музей искусств Метрополитен в Нью-Йорке, и фрески из Санта-Крус-де-Мадеруело в Сеговии. Есть также несколько антепендиумов (завеса или перегородка перед алтарём) с росписью по дереву и других ранних панно.
Золотой Век испанской живописи
В испанский Золотой век – период политического господства Испании и последующего спада, наблюдалось масштабное развитие искусства в Испании. Считается, что данный период начался в определенный момент после 1492 года и закончился или с Договором о Пиренеях в 1659 году, хотя в искусстве его начало откладывается до царствования Филиппа III (1598-1621 гг), или непосредственно перед ним, и конец также относят к 1660 годам или более позднему периоду. Таким образом, данный стиль является частью более широкого периода барокко в искусстве. Здесь наблюдается значительное влияние великих мастеров барокко, таких как Караваджо и позже Рубенс, своеобразие искусства того времени также включало в себя влияния, которые модифицировали типичные барочные характеристики. Среди них было влияние живописи современного ему голландского Золотого Века, а также родной испанской традиции, которая дала большей части искусства этого периода интерес к натурализму, и избегание грандиозности большей части искусства барокко. Значительные ранние представители этого периода – Хуан Баутиста Маино (1569-1649 гг), который принес новый натуралистический стиль в Испанию, Франсиско Рибалта (1565-1628 гг) и Санчес Котан (1560-1627 гг) влиятельный художник, писавший натюрморты.
Эль Греко (1541-1614) был одним из самых индивидуалистических художников того периода, он разработал очень маньеристский стиль, основанный на его происхождении из пост-византийской критской школы, на контрасте с натуралистическими подходами преобладавшими тогда в Севилье, Мадриде и других регионах Испании. Многие из его работ отражают серебристо-серые и яркие цвета венецианских художников, таких как Тициан, но при этом они сочетаются со странным удлинением фигур, необычным освещением, устранением перспективного пространства и заполнением поверхности очень явной и выразительной живописной манерой.
Работавший в основном в Италии, особенно в Неаполе, Хосе де Рибера (1591-1652 гг) считал себя испанцем, и его стиль иногда использовался в качестве примера крайне контрреформационного испанского искусства. Его работа была очень влиятельной (в основном за счет циркуляции его рисунков и гравюр по всей Европе) и демонстрировала значительное развитие в течение его карьеры.
Будучи воротами в Новый Свет, Севилья стала культурным центром Испании в XVI веке. Она привлекала со всей Европы художников, стремящихся получить заказы со всей растущей империи, а также от многочисленных религиозных домов богатого города. Начиная с сильной фламандской традиции подробной и гладкой манеры письма, что показано в работах Франциско Пачеко (1564-1642 гг), в течение долгого времени развивался натуралистический подход с влиянием Хуана де Роеласа (ок. 1560-1624 гг) и Франциско Эрреры Старшего (1590-1654 гг). Этот в большей степени натуралистический подход под влиянием Караваджо стал преобладающим в Севилье и сформировал учебный фон для трех мастеров Золотого века: Кано, Сурбарана и Веласкеса.
Франциско Сурбарана (1598-1664 гг) известен благодаря решительному и реалистичному использованию светотени в своих религиозных картинах и натюрмортах. Хотя казалось, что он ограничен в своем развитии, и ему тяжело даются сложные сцены. Великолепная способность Сурбарана вызвать религиозные чувства принесла ему множество заказов в консервативной Контрреформационной Севилье.
Разделяя влияние того же мастера-живописца – Франциско Пачеко – как и Веласкеса, Алонсо Кано (16601-1667) также активно работал со скульптурой и архитектурой. Его стиль перешел от натурализма его раннего периода к более тонкому, идеалистическому подходу, выявив венецианские влияния и влияния Ван Дейка.
Испанское искусство и живопись XX век
Хуан Грис, «Кружка пива и игральные карты», 1913, Музей искусств Колумбуса, штат Огайо.
Подпись Пабло Пикассо
В первой половине XX века многие ведущие испанские художники работала в Париже, где они способствовали развитию модернистского движения в искусстве, а иногда и руководили им. Возможно, главным примером является Пикассо, который работал вместе с французским художником Браком, создавая концепцию кубизма; и суб-движение синтетического кубизма осуждалось за то, что нашло свое чистейшее выражение в картинах и коллажах Хуана Гриса, родившегося в Мадриде. Аналогичным образом Сальвадор Дали стал центральной фигурой сюрреалистического движения в Париже; а Жоан Миро имел большое влияние в абстрактном искусстве.
Голубой период Пикассо (1901-1904 гг), который состоял из мрачных, тонированных картин, попал под влияние поездки через Испанию. В Музее Пикассо в Барселоне хранятся многие из ранних работ Пикассо, созданных в то время, когда он проживал в Испании, а также обширная коллекция Хайме Сабартеса, близкого друга Пикассо из периодя его проживания в Барселоне, который в течение многих лет был личным секретарем Пикассо. Есть много точных и подробных исследований изображений, созданных им в юности под опекой отца, а также редких произведений периода его старости, которые ясно демонстрируют, что в работах Пикассо была твердая основа из классических методов. Пикассо отдал самую долговечную дань Веласкесу в 1957 году, когда воссоздал его Менины в своей манере кубизма. В то время как Пикассо беспокоило, что, если он скопирует картину Веласкеса, то это будет выглядеть только как копия, а не как уникальное произведение, он продолжил делать это, и огромная работа – крупнейшая из созданных им со времен «Герники» в 1937 году – заняла значимое место в испанских канонах искусства. В Малаге, месте рождения Пикассо, расположены два музея со значительными коллекциями: Музей Пикассо в Малаге и Дом-музей Пикассо.
Сальвадор Дали был ведущим представителем сюрреалистического направления в Париже. Хотя Дали критиковали за принятие режима Франко, Андре Бретон, сюрреалистический лидер и поэт, попросил его представлять Испанию на выставке Сюрреализма в 1959 году, которая отпраздновала сорокалетие сюрреализма. В соответствии с целями сюрреалистического движения Дали заявлял, что его художественная цель состоит в том, чтобы «… мир воображения и конкретной иррациональности объективно мог стать столь же очевидным… как и внешний мир…», и эта цель может прослеживается в наиболее известном его произведении «Постоянство памяти». Здесь он пишет в точном, реалистическом стиле, основанном на исследования голландских и испанских мастеров, но с темой, которая растворяет границы между органическим и механическим и которая больше похожа на кошмарные сцены нидерландского живописца Иеронима Босха, чей «Сад земных наслаждений» создал модель для центральной спящей фигуры в работе Дали.
Жоан Миро был также тесно связан с сюрреалистами в Париже, которые особенно одобряли использование им автоматизма в композиции и исполнении, предназначенном для разоблачения подсознания. Хотя его более поздние и более популярные картины более изящны, причудливы и, видимо, созданы без усилий, в его влиятельный период в 1920-е и 1930-е годы были созданы работы, которые были провокационными в своей сексуальной символике и образах, и использованы грубые, экспериментальные материалы, в том числе наждачная бумага, непроклеенные холсты и коллажи. В картине зрелого периода «Урок катания на лыжах» очевиден его характерный язык знаков, цифр и черных линейных форм на более текстурированном и живописном фоне.
Игнасио Зулоага и Хосе Гутьеррес Солана также были значимыми живописцами первой половины XX века.
